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Adornos u Ornamentos musicales (parte 2)

El trino

El trino consiste en un intercambio rápido y continuo entre la nota real y su nota auxiliar superior. Estas notan pueden ser distanciadas por un tono o un semitono. En casos dudosos, el símbolo de alteración del trino se coloca arriba para especificar la nota subsidiaria.  

La velocidad de ejecución puede variar en función del ritmo musical y de la naturaleza del instrumento utilizado.

Se representa gráficamente con las abreviaturas “tr” o “trill” seguidas por una línea en zigzag que indica la duración del trino, extendiéndose hasta el final del mismo. Usualmente se ejecuta empezando por la nota auxiliar y su duración se substrae a la duración de la nota real.

Existen diferentes tipos de trinos:

Trino directo

Trino invertido (indirecto)

Trino preparado

Trino preparado con cierre

Trino en una nota punteada.

Trino en una nota ligada

El  trémolo 

El  tremolo un adorno típico de los instrumentos de cuerda; a diferencia del trino, en el que la nota real se alterna con otra nota, consiste en la repetición rápida y continua de la misma nota.

Se representa gráficamente con dos o tres líneas gruesas, si el tremolo se realiza con una sola nota, entonces el signo se coloca en la plica de la misma nota,

 si el tremolo se ejecuta con dos notas, el signo se coloca entre las dos.

 
El Glissando o glissat

El glissando (traducción del término francés glisser, que significa «resbalar, deslizar»), más que un adorno es un efecto sonoro típico principalmente de los instrumentos sin teclas (arcos y trombones) y consiste en pasar rápidamente de una nota aguda a una nota grave, o viceversa, de forma que se perciba el paso entre las notas. El resultado sonoro depende de las características del instrumento que se esté usando.

Se representa gráficamente con una línea oblicua, recta u ondulada, colocada diagonalmente entre dos notas de diferentes alturas y suele ser acompañada por la abreviatura “gliss”.

El glissando se puede ejecutar incluso en instrumentos como el piano, pero en este caso no se trata de un glissando “real” ya que solo pueden producir notas con intervalos predefinidos (tonos y semitonos) Los instrumentos de teclado (como el piano) efectúan este adorno dejando que la uña del dedo medio se deslice sobre las teclas.

Fioritura

La fioritura (palabra que probablemente deriva de florificatio vocis), en un principio era usada para describir un tipo de ornamento vocal, en la actualidad es un adorno escrito a manera de improvisación, para que el intérprete lo ejecute a su propio gusto, sin reglas rítmicas rígidas.

Se representa por un grupo de notas de tamaño más pequeño, que a menudo contienen pasajes cromáticos, insertados en cualquier punto de la pieza con el objetivo de enriquecer su ejecución.

La fioritura puede presentarse como: una variación de la melodía que la precede; una nueva melodía autónoma; un pasaje ornamental entre la melodía anterior y la siguiente.

fuente: Fioritura_from_concerto_by_Chopin.png

El Arpegio

El termino arpegio, también conocido como arpeggiato, deriva de la palabra arpa, ya que es un adorno derivado de la técnica de este instrumento.

Es un adorno que se utiliza en instrumentos de teclado, se aplica a un acorde, donde las notas no se ejecutan simultáneamente, sino en sucesión más o menos rápida a partir de la nota baja; las notas arpegiadas deben mantenerse durante la vigencia del acuerdo

Se representa gráficamente con una línea ondulada o con un arco de círculo colocados a la izquierda del acorde embellecido.

El arpegio generalmente se toca de la nota más baja a la más alta, sin embargo, puede ejecutarse al revés, en este caso se indica mediante una línea a zigzag con una flecha que indica como debe ejecutarse el acorde.

Si no se coloca este signo, la persona que lo toca puede realizar el arpegio libremente, generalmente siguiendo el curso de la melodía.

Las notas del acorde, generalmente son mantenida una tras otra durante toda la duración del arpegio, sin embargo, también pueden no ser mantenidas si así se indica en la partitura.

En la Música Moderna, el acento coincide con la última nota del acorde, por lo que las primeras notas se ejecutan antes del pulso donde se ubica el acorde.

Cadenza.

La cadenza es una fórmula armónica-melódica, se utiliza para expresar una rápida sucesión de notas de uno o más acordes, que generalmente se realizan de forma virtuosa, a criterio del intérprete, antes del cierre de la pieza.

Se representa con un grupo de notas mucho más pequeñas que el resto de la obra acompañadas frecuentemente con la expresión “ad libitum”.

Además de resaltar las habilidades técnicas de un cantante o instrumentista, la cadenza también se usa para ralentizar una canción, para crear una especie de pausa dentro de una composición.

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Ornamentos o Adornos musicales (parte 1)

Los adornos u ornamentos musicales, son unas notas o grupos de notas que se añaden a la melodía original, con el objetivo de embellecerla y aportarle más variedad y riqueza. Se representan a través de notas de tamaño más pequeño, que se colocan antes o después de la nota principal. El valor de estas notas se resta de la nota que le precede o que le sigue y no se toma en cuenta como parte del valor total del compás.

Se pueden usar incluso símbolos gráficos estándar con el fin de dejar la interpretación a criterio del interprete o ejecutante.

Los adornos u ornamentos modernos más comunes son: la apoyadura; la acciaccatura; el grupeto; el mordente; el trino; el tremolo; el glissando; la fioritura; el arpegio y la cadenza.

Vamos a ver su representación gráfica y como se ejecutan.

Apoyatura

La apoyatura normalmente se representa con una corchea de tamaño más pequeño sin tachar antes de la nota real.

Puede ser una nota más aguda o más grave que la nota real. Si es mas aguda se encuentra a un intervalo de segunda, mientras que cuando es mas grave se encuentra a un semitono diatónico de la nota real.

Cuando se ejecuta, el acento recae sobre la apoyatura y resuelve en el tiempo débil.

Su duración depende de la nota real a la que acompaña: si la nota real no es punteada, la apoyatura elimina de la nota real el valor que representa.

Si la nota real se encuentra punteada, la apoyatura elimina dos tercios de su valor.

Sin embargo, hay que recordar que la elección de la duración de la nota de la apoyatura depende en gran medida de la velocidad de la pieza.

Acciaccatura

La accacciatura es un adorno que consiste en la ejecución rápida de una o más notas accesorias, que preceden inmediatamente a la nota principal o un acuerdo. Se representa con una corchea o semicorchea de tamaño más pequeño y tachada, para distinguirla de la apoyatura, es decir con su plica atravesada por una línea obligua.

Su ejecución puede ser tonal o cromática, por ende, se puede encontrar a distancia de un tono o semitono de la nota real, por encima o por debajo de esta.

Este tipo de retardo es apenas perceptible, dado que la duración que se sustrae a la nota real es casi nula, parecido al valor de una fusa, incluso se puede ejecutar justo antes del pulso o tiempo.

Mordentes

El mordente (participio presente del verbo italiano “morderé” (morder”), son dos notas que se ejecutan muy rápidamente, exactamente como “mordiendo” la nota, se representan con semicorcheas de tamaño más pequeño o con unos símbolos gráficos específicos.

Por lo general, después de tocar la nota real, se debe tocar la nota inmediatamente superior o inferior por grado conjunto y volver a tocar rápidamente la nota real.

Cuando la nota real se alterna con la nota superior de forma ascendente, se denomina “mordente superior” y se representa de estas dos formas:

Cuando la nota real se alterna con la nota inferior de forma descendente, se denomina “mordente inferior» y se representa de estas dos formas:

El mordente se puede ejecutar por tono o por semitono, en el caso que el semitono necesitara de una nota alterada, esta se debe señalar incorporando dicha alteración al signo del mordente.

Actualmente la velocidad de ejecución del mordente, depende mucho del ejecutante, del tiempo y del genero musical de la pieza. El acento cae siempre en la primera nota del mordiente.           

Grupetos

El grupeto (traducción del término italiano “gruppetto” es decir “pequeño grupo), es un adorno que alterna la nota superior e inferior con la nota real y se ejecutan en rápida sucesión. Se representa por medio de semicorcheas o fusas de tamaño mas pequeño, o a través de símbolos específicos.

Hay diferentes tipos de grupetos:

Cuando el signo está puesto directamente sobre una nota, se deben ejecutar las notas del adorno antes de la nota real. Puede ser descendente o ascendente.

En el grupeto descendente, las notas auxiliares se ejecutan empezando desde la nota del grado superior, bajando hasta el grado inferior para terminar en la nota real. En el grupeto ascendente, las notas auxiliares se ejecutan empezando desde la nota del grado inferior, subiendo hasta el grado superior para terminar en la nota real.

Cuando el signo del grupeto se encuentra entre dos notas de la misma altura, se usan tres notas para formar el grupeto. En cambio, cuando el signo del grupeto se encuentra entre dos notas de altura y nombre diferente, se usan cuatro notas para formar el grupeto.

Si alguna nota del adorno lleva una alteración, esta se debe colocar por encima del signo si la nota alterada se encuentra en la parte superior del adorno, o debajo del signo si la nota alterada se encuentra en a parte inferior del adorno.

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Signos de expresión: carácter

Hay unos términos italianos que se utilizan, sobre todo en la música clásica, para indicar a las personas que ejecutan la pieza musical, el sentimiento que deben darle, que puede ser de: alegría; de tristeza; de amor; de dulzura; de odio; etc.

Los signos de expresión que hemos visto hasta ahora, son muy eficaces para indicar la duración, la altura y la intensidad de las notas, sin embargo, no son suficientes para indicar a los músicos el tipo de sentimiento, la emoción exacta que la obra musical debe tener, para llegar a la sensibilidad del oyente.

Para resolver este problema, se usan unos términos italianos que indican el carácter (sentimiento) de la pieza musical y la manera de expresarlo, para producir en el oyente la emoción correspondiente.

Los signos de expresión usado para definir el carácter de una pieza musical y los signos de movimiento, a pesar de indicar características muy diferentes, tienen una estrecha relación entre ellos, por ejemplo: una pieza musical que tenga una indicación “Agitato” (agitado), difícilmente tendrá un tiempo lento y muy probablemente será asociado a un tiempo bastante rápido.

Estos términos casi siempre se escriben al principio de la partitura junto a los términos indicadores del tiempo.

Entre los principales términos italianos más usados para expresar el carácter de una obra, encontramos:

• Affettuoso: afectuoso
• Agitato: agitado, excitado
• Amabile: amable
• Amoroso: amoroso
• Animato: animado
• Appassionato: con pasión
• Brillante: muy claro
• Cantabile: cantable
• Capriccioso: carácter vivo
• Comodo: cómodo
• Con anima: con alma, con mucha carga sentimental
• Con bravura: con gran habilidad
• Con brio: con vita, con entusiasmo
• Con delicatezza: delicado
• Con dolore: con sufrimiento
• Con espressione: expresivo
• Con fuoco: fogosamente
• Con grazia: con gracia
• Con moto: con movimiento
• Con tenereza: con ternura
• Deciso: con decisión
• Disperato: desesperado
• Dolce: dulce
• Dolente: doliente
• Energico: con energia
• Espressivo: con mucho sentimiento
• Giocoso: jugueton, humorístico
• Grandioso: maestuoso
• Grazioso: con grazia
• Leggero: ligero
• Lontano: lejano
• Maestoso: majestuoso, con dignidad
• Maliconico: melancólico
• Marziale: marcial
• Mesto: triste
• Mosso: movido
• Patetico: patetico
• Piacevole: placentero
• Risoluto: resuelto
• Scherzando: bromeando
• Semplice: simple
• Solenne
• Sostenuto: sostenido
• Spiritoso: con espiritu
• Teneramente: tiernamente
• Tranquillo: con lentitud, con paz
• Tristemente: con tristeza
• Vigoroso: vigoroso

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Signos de expresión: articulación

Los «signos de articulación» son indicaciones gráficas colocadas encima o debajo de las notas, que afectan la forma en la que se deben ejecutar.

Enumeramos aquí aquellos de uso más general, que cada instrumento musical realizará con su técnica especifica.

Cada articulación se expresa a través de términos italianos y se representa gráficamente con un símbolo especifico.

Se pueden dividir en cuatro grupos:

• Las articulaciones de expresión
• Las articulaciones de duración, que, como su nombre lo indica, afecta el tiempo que dura una nota musical o un acorde.
• Las articulaciones de intensidad, que afectan la intensidad con la cual se ejecuta una nota musical o un acorde.
• Las articulaciones combinadas cuando aparecen en conjunción con otras articulaciones

Articulaciones de expresión

Legato

Término italiano que significa ligado. El legato o ligadura de expresión, se representa gráficamente con una línea curva que agrupa varias notas de distintas alturas que deben ejecutarse de manera ligada y sostenida, sin ninguna interrupción perceptible entre las notas. Se ejecuta dejando sonar la primera nota que se toca, hasta el momento en que se toca la siguiente nota.

Staccatissimo

Término italiano que significa literalmente “muy separado”. Se representa con unos pequeños triangulitos con el vértice que apunta hacia la nota, colocados encima o debajo de las notas dependiendo de la posición de la plica.

Alternativamente se puede indicar escribiendo “staccatissimo” o su abreviación “Staccatiss.” encima del pentagrama.

Esta articulación confiere a la nota el valor más corto de todas las articulaciones, por lo que hay que tocar la nota que suene muy poco, seguida da un silencio muy prolongado.

Generalmente se usa con notas que tienen un valor corto, como las corcheas o las semicorcheas, sin embargo, hoy en día su utilización ha caído en desuso.

Staccato

El termino italiano “Staccato” significa “separado”. La articulación del “Staccato”, que también suele llamarse “picado”, le sigue al que vimos anteriormente, por lo tanto, su duración es un poco más larga.

En el staccato se tocan dos o más notas claramente separadas para diferenciarlas, reduciendo su valor aproximadamente a la mitad, como si hubiera un silencio entre ellas.

Se representa con un puntillo arriba o debajo de la nota, dependiendo de la posición de la plica (no hay que confundir este puntillo con el puntillo que se coloca al lado de la cabeza de la nota).

Al contrario que el “Staccatissimo”, este tipo de articulación puede aplicarse en notas de cualquier valor.

Tenuto

El termino italiano “Tenuto” tiene el significado de “mantener”. Este tipo de articulación puede afectar tanto la duración, obligando a mantener la nota por todo su valor total sin tener ningún tipo de silencio entre las notas, como su intensidad, tocando la nota un poco más fuerte que las demás, para darle más énfasis.

A pesar de tener la misma duración de una nota sin articulaciones, se diferencia de esta porque se ejecuta con un ataque no legato (ligado)

El Tenuto se puede representar de tres formas:

1. Con una línea horizontal del mismo tamaño de la cabeza de la nota, ubicada arriba o debajo de la nota.
2. Escribiendo la palabra “tenuto” encima del pasaje que hay que tocar con esta articulación.
3. Escribiendo la abreviación “ten”, encima de las notas.

Articulaciones de intensidad

Acento

El acento puede usarse en notas de cualquier duración, consiste en ejecutar la nota con más intensidad que las notas sin acento.

Se representa a través de la letra “V” acostada con el vértice que apunta hacia la derecha, situada encima o debajo de las notas del lado opuesto a la plica.

Marcato

El “marcato” es esencialmente una versión fortalecida del “acento”, por lo tanto, requiere una mayor acentuación de la intensidad, se usa para resaltar la importancia de un pasaje. Se ejecuta como como un golpe dinámico que luego se desvanece hasta la intensidad original, una interpretación que solo se puede ejecutar con instrumentos que pueden alterar el nivel dinámico de un sonido.

El marcato se puede representar de tres formas diferentes:

1 – Con un pequeño triangulo abierto en la base y con el vértice que apunta en la dirección contraria al de la plica.

2 – Escribiendo la abreviación “marcato”, encima del pasaje que hay que tocar con esta articulación.

3 – Escribiendo la abreviación “Marc” encima de las notas.

Puede aparecer en notas de cualquier duración.

Articulaciones combinadas

Portato

Cuando los signos de staccato se combinan con ligaduras de expresión, el resultado se conoce como portato. La suma de estas dos articulaciones, denota una articulación ligeramente o moderadamente separada que da como resultado unas notas marcadas, unidas y sin ningún silencio entre la una y la otra.

Se puede representar de tres formas diferentes:

1 – con puntos y una línea curva

2 – con el guion del sostenido y el punto del staccato

3 – con líneas con guiones de sostenido y una ligadura

La técnica de ejecución se encuentra entre el legato y el staccato, contiene las notas durante más tiempo que el staccato estándar, pero no tienen contigüidad entre ellas.

Escucha la diferencia en tre un «legato», un «portato» y un «staccato»

LEGATO

PORTATO

STACCATO

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Signos de expresión: dinámica

Para mejorar la expresividad de la música, se suele ejecutar los sonidos con diversos niveles de intensidad (volumen), por lo que el compositor debe poder indicar en sus partituras, cuanto fuerte o suave se debe ejecutar una nota, frase o pasaje musical.

Para eso, existen una serie de indicaciones y signos llamado “Matices”, que se representan por medio de términos italianos, abreviaturas o signos gráficos, que suelen colocarse por debajo del pentagrama, exactamente bajo la nota donde empieza dicha intensidad sonora.

La dinámica de la música se refiere a este conjunto de matices que indican los diferentes grados de intensidad sonora que se debe tocar la música.

Existe por lo menos ocho tipos de matices o indicaciones de dinámica. Empezando desde el sonido más fuerte hasta el sonido más suave, son: 

El efecto de un matiz dura hasta que se encuentra en la partitura otro que indica una intensidad sonora diferente.

Estos tipos de matices se llaman “uniformes”, porque la intensidad se mantiene siempre igual hasta el siguiente, donde el cambio se da de forma repentina.

Sin embargo, existen otros dos tipos de matices para indicar cambios de intensidad que se dan de forma gradual o paulatina, para señalar un aumento o una disminución de la intensidad sonora.

Estos matices se llaman “graduales” y se pueden representar de tres formas diferentes, que en algunos casos pueden emplearse indistintamente.

A través de términos italianos:

• Crescendo: Aumentando gradualmente la intensidad
• Diminuendo: Disminuyendo gradualmente la intensidad.

A través de sus formas abreviadas:

• Crescendo: cresc. 
• Diminuendo: dim. 

A través de signos gráficos llamados reguladores que consisten en dos líneas que forman un ángulo:

La ejecución de la dinámica musical no es precisa dado que el intérprete tiene un amplio margen para decidir, y puede variar dependiendo en gran parte de la percepción subjetiva de los músicos, de su estado de ánimo y su interpretación personal. Por lo que los diferentes tipos de matices pueden ser interpretados de forma diferente de un músico a otro.

Durante el siglo XX se complementaron a los reguladores con otros símbolos:

• Un aumento repentino en la parte final de un regulador de crescendo, para indicar que el final debe tener un efecto dramático.
• Una reducción brusca de un regulador de diminuendo para tener un efecto inverso al anterior.
• Un pequeño circulo antes de un regulador de crescendo para indicar que debe empezar desde el silencio.
• Un pequeño circulo después de un regulador de diminuendo para indicar que se debe terminar en silencio.
• Una línea recta que termina con un ensanchamiento repentino par indicar que un matiz estable debe tener al final un efecto súbito.

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Signos de expresión: Agógica

Los compositores disponen de muchos recursos a la hora de escribir una obra musical, estos recursos les permiten indicar a los intérpretes como debe ser ejecutada la musica que componen.

Hemos visto que el ritmo viene determinado por las figuras y las pausas, sin embargo, estas no son suficientes para indicar la velocidad con la que debe ejecutarse una obra musical.

Actualmente, sobre todo en la música moderna, se recurre al uso de indicaciones metronómicas para indicar la velocidad de ejecución de una pieza musical. Se representan con figuras y números, que indican cuantas, de estas figuras, se deben ejecutar cada minuto. Por ejemplo, NEGRA = 120, significa que deben ejecutarse 120 pulsos cada minuto, o sea dos pulsos cada segundo.

Estos números, también se usan para configurar el metrónomo, dispositivos que emiten una señal, visual o acústica, las cuales indican al musico la velocidad exacta con la cual debe ejecutar la pieza musical.

Sin embargo, antes de su invención, los compositores tuvieron que recurrir a unos términos italianos, denominados en la música “Matices”, que se colocan en la partitura para indicar la mayor o menor velocidad con la que se puede interpretar una obra musical. El conjunto de estos matices que afectan a la velocidad se les llama agógicos, no son tan precisos como las indicaciones metonímicas, sino más bien una orientación para los músicos.

Vamos a ver cuáles son los más usados, cuál es su traducción y a cuáles indicaciones metronómicas se refieren:

• Largo……….. Extremadamente lento   (40 pulsaciones por minuto)
• Grave……………Muy lento (50 pulsaciones por minuto)
• Lento………… Lento (60 pulsaciones por minuto)
• Adagio………. Moderadamente lento   (70 pulsaciones por minuto)
• Andante…….. Al ritmo de los pasos  (80 – 90 pulsaciones por minuto)
• Moderato……..Moderado  (100 – 110 pulsaciones por minuto)
• Allegro………. Alegre o animado(120 – 140 pulsaciones por minuto)
• Vivace………Vivaz o rápido  (140 – 170 pulsaciones por minuto)
• ·Presto……….. Muy rápido (170 – 200 pulsaciones por minuto)
• Prestíssimo…. Rapidísimo  (200 – 210 pulsaciones por minuto)

Estas velocidades son indicativas, de hecho, dos músicos podrían tocar la misma pieza a velocidades diferentes, dependiendo de su interpretación de los términos.

Los términos principales no son suficientes para indicar todos los tipos de velocidad que van desde la máxima lentitud a la máxima velocidad. Para indicar los grados intermedios, se usan algunos diminutivos como “etto” o “ino”, cuyo significado es un poco menos, o superlativos como “issimo” que significa un poco más. Por ejemplo “Andantino” y “Allegretto” son un poco más lentos que sus respectivos términos “Andante” y Allegro”, en cambio “Prestissimo” es un poco más rápido que “Presto”.

A pesar de ser más precisas en especificar la velocidad de una obra musical, las indicaciones metronómicas no sirven para indicar el aumento o la disminución progresiva de velocidad, para poder hacer esto debemos recurrir a otros términos relacionados con la Agógica.

Para indicar una disminución progresiva de la velocidad se usan los términos:

• Ritardando
• Rallentando
• Ritenuto
• Morendo: muriendo
• Slargando: alargando
• Ritenendo: reteniendo

Para indicar una disminución repentina de la velocidad

• Ritenuto
• Meno mosso

Para indicar un aumento progresivo de la velocidad se usan los términos:

• Stringendo: corriendo
• Accellerando: acelerando
• Affrettando: apresurando
• Animando: animando
• Calcando: acelerando
• Incalzando: apretando

Para indicar un aumento repentino de la velocidad

• Stretto
• Più mosso
• Doppio movimento

Para volver al tiempo original se usan los términos italianos:

• A tempo
• Primo tempo
• Lo stesso tempo: el mismo tiempo

Para indicar que se puede ejecutar a la velocidad que uno quiere, se usan los términos italianos:

• A piacere
• A Capriccio
• Rubato
• Ad libitum
• Senza rigore: sin rigor de medida
• Senza tempo: sin tiempo, flexible

Con el auxilio de otros términos se obtienen nuevas modificaciones:

• Assai (bastante)
• Ancor Piu (aún más)
• Meno (menos)
• Molto Piu (mucho más)
• Molto (mucho)
• Non Molto (no mucho)
• Piu (más)
• Non Tanto
• Poco
• Non troppo (no demasiado)
• Quasi (casi)
• Con moto: con movimiento

Ejemplo: Allegro assai (bastante allegro), Andante con moto (andante con movimiento), Allegro ma non troppo (rápido pero no demasiado), Molto vivace (muy vivo), Poco adagio (poco lento).

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Signos de Repetición Estructurales

Los Signos de Repetición Estructurales, se diferencian de las barras de repetición porque permiten más flexibilidad a la hora de repetir partes de una pieza musical.
Por ejemplo: si durante la repetición no queremos que se ejecuten un determinado número de compases o si queremos que la repetición termine antes de llegar a la barra de repetición, no podemos indicarlo usando solamente las barras de repetición, sino que debemos usar los Símbolos de Repetición Estructurales.
Vamos a ver cuáles son y como se usan.

D.C o Da Capo

El símbolo D.C. o DC, es la abreviatura del término musical italiano “Da Capo”, que significa literalmente desde el principio. Podemos encontrar este símbolo en cualquier parte de la partitura y nos indica que debemos repetir la pieza musical desde el comienzo.

Si no está asociado a ningún otro símbolo cumple la misma función de la barra de repetición, en el sentido que debemos repetir de principio a fin la partitura, con la diferencia que si hay otras barras de repetición estas no se toman en cuenta cuando repetimos por segunda vez la pieza, a menos que se indique lo contrario en la partitura.

D.C. al Fine o Da Capo al Fine

Si queremos que la ejecución de la repetición no continúe hasta el final, sino que termine en otro compás, entonces debemos asociar el símbolo D.C. con la palabra italiana “Fine”, que significa “Final”.

En este caso cuando ejecutamos la repetición esta no debe continuar hasta el final de la pieza, sino que debemos finalizar en el compás donde está colocada la palabra “Fine”. De esta forma podemos volver al comienzo de una canción e indicar el final de la misma en el sitio que más nos convenga

Para hacer más versátil el símbolo D.C., contamos con otros dos símbolos: el Segno y la Coda.

Dal Segno

La instrucción “Dal Segno”, que se abrevia mediante la indicación D.S., es una frase italiana que significa “desde el Signo”. Se ubica en cualquier parte de la partitura y se usa asociada al símbolo “Segno” que se representa gráficamente mediante una “S” estilizada atravesada por una línea diagonal y nos permite movernos a cualquier compás de una pieza musical, es muy útil porque nos indica una sección especifica donde debemos llegar.

Cuando al ejecutar una pieza musical encontramos la indicación D.S., significa que debemos volver a ejecutar la pieza musical empezando desde el compás donde se encuentra el símbolo “Segno”. Si no hay otra especificación se continua hasta llegar al último compás.

En cambio, si la indicación D.S. es acompañada de la palabra “Fine” (palabra italiana que significa “final”), significa volver a repetir la pieza desde el  Signo y terminar hasta el compás donde se ubica la palabra “Fine”.

Coda

El termino italiano “Coda” significa “Cola” en castellano, se representa a través de un circulo con una cruz en el medio.

Este símbolo indica una sección al final de una pieza musical que funciona como un final alterno. No se usa solo, sino que debe aparecer dos veces en la partitura para indicar una parte de la partitura que no se debe ejecutar durante la repetición, por lo tanto, todos los compases incluidos entre los dos símbolos de “Coda” no se deben ejecutar durante la repetición.

Durante la repetición de la pieza, cuando encontramos el primer símbolo de Coda, debemos saltar al segundo que estará siempre después del lugar donde se indicó la repetición. Lo que sigue es el final de la pieza musical que puede ser corta o larga.

Antes del segundo símbolo de la Coda que indica el inicio del final de la pieza, puede haber la indicación “D.C. al Coda”. Indica que debemos volver a ejecutar la pieza desde el principio, llegar al primer símbolo de la Coda y saltar directamente al segundo símbolo de la Coda, para continuar con el final de la pieza.

Si en cambio antes del segundo símbolo de la Coda que indica el inicio del final de la pieza, encontramos la indicación “D.S. al Coda”, significa que debemos volver a ejecutar la pieza desde el símbolo “Segno”, llegar al primer símbolo de la Coda y saltar directamente al segundo símbolo de la Coda, para continuar con el final de la pieza.

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Signos de repetición básicos

Cuando componemos alguna pieza musical, es muy común que algunas partes de nuestra música se tengan que repetir, por lo que contamos con recursos que nos evitan tener que volver a escribir las secciones que ya están escrita.

Estos recursos son símbolos denominados “Signos de repetición”, los cuales indican a un músico cuales son las secciones que deben repetir y los saltos a efectuar dentro de las diferentes secciones.

El conocimiento y uso de los signos de repetición, nos evitan un esfuerzo mayor a la hora de escribir nuestra música, facilitando incluso la lectura de la partitura a los músicos que deben ejecutarla.

Los signos de repetición se dividen en dos categorías: los Signos de repetición básicos, que estudiaremos en esta lección y los Signos de repetición estructurales que veremos en la próxima lección. 

Barra de repetición:

La barra de repetición es uno de los signos de repetición básicos más común, su forma es muy similar a la barra doble que finaliza una obra, con dos líneas verticales en la que la segunda es más gruesa que la primera, pero se diferencia de esta por tener dos puntos colocados a la izquierda que se ubican encima y debajo de la tercera línea del pentagrama. Su función es indicar que, cuando la música llega a esa doble barra, se debe volver a ejecutar desde el comienzo, a menos que se indique lo contrario.

Si la repetición no es desde el principio, es necesario usar otra barra de repetición invertida, es decir con las dos líneas donde la primera es más gruesa y los puntos se encuentran ubicados a la derecha.  Su función es delimitar junto con la otra, un grupo de compases cuya música escrita entre ambas barras debe volver a repetirse tantas veces como se indique.

La barra con los puntos a la derecha indica donde empieza la repetición, mientras que la barra de repetición con los puntos a la izquierda indica donde termina la repetición. En otras palabras, la primera vez que ejecutamos la pieza musical, al llegar a la barra de cierre (con los puntos ubicados a la izquierda), debemos volver a ejecutar la pieza empezando desde la barra de repetición de apertura (con los puntos ubicados a la derecha)

Las Barras de Repetición pueden no deben estar necesariamente ubicadas en la misma línea del pentagrama, sino pueden estar ubicadas en líneas diferentes.

Las casillas de repetición

Las casillas de repetición es otro de los signos de repetición básicos, se encuentran junto a las barras de repetición, se usan cuando no queremos repetir todos los compases o queremos un final que sea diferente.

La casilla de repetición es una línea horizontal que abarca toda la extensión del compás con un número situado en la parte inferior, entre la línea y el compás. Este número indica el orden con el cual se deben ejecutar los compases durante las repeticiones. 

Por ejemplo: se ejecuta la música desde el principio, la primera vez se ejecutan todos los compases incluidos en la casilla marcada con el numero 1 hasta llegar a la barra de repetición. Sucesivamente se repite la pieza desde el principio o desde la otra barra de repetición enfrentada, con la diferencia que cuando se llega al comienzo de la casilla de repetición con el número 1, esta no debe ejecutarse, sino que se ejecuta el compás de la casilla de repetición con el número 2. Se vuelve a repetir el proceso hasta que se hayan ejecutado todas las casillas para continuar con el resto de la música.

Se pueden usar tantas casillas de repetición como sea necesario, incluso no se tienen que limitar a un solo compas, sino que las casillas de repetición pueden abarcar la cantidad de compases que se requieren.

Las repeticiones de compás:

Hasta ahora hemos visto algunas formas de realizar repeticiones de secciones completas, algunas de ellas con finales diferentes. Sin embargo, a veces lo que necesitamos no es repetir enteras secciones sino uno o dos compases, pero muchas veces. Para eso contamos con dos signos de repetición de compás.

Cuando necesitamos repetir un compás, podemos colocar el signo de repetición de compás en el centro del siguiente compás vacío, indicando así que se debe repetir el compás anterior.

En el caso que debamos repetir dos compases en lugar de uno, colocamos el signo de repetición respectivo en el compás siguiente.

Podemos usar este signo las veces que necesitamos repetir el compás, si la repetición debe efectuarse tres veces, entonces ponemos el signo en los dos compases siguientes.

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Tipos de compás musical

De momento veremos de forma básica cuales son y como se escriben en el pentagrama algunos tipos de compases musicales, en el curso intermedio de Teoría Musical profundizaremos este argumento.

Hemos visto que la música se divide en compases y cada compás contiene un número determinado de tiempos. A su vez cada tiempo se puede dividir en dos o tres partes, dando como resultado diversos tipos de compases:

• Compases simples o compuestos
• Compases binarios, ternarios o cuaternarios.
• Compases de subdivisión binaria o ternaria.

Compases simples o compuestos

En los compases simples, cada unidad de tiempo se puede subdividir en mitades, por ejemplo, una negra se puede subdividir en dos corcheas o una corchea se puede subdividir en dos semicorcheas.

Se representan gráficamente por los números 2, 3 y 4 como numeradores (en la parte superior) que indican claramente cuantos tiempos contiene el compás.

Otra característica de los compases simples es que cada unidad de tiempo está representada por un tipo de figura que no tiene puntillo.

En los compases compuestos, en cambio, cada tiempo se subdivide en tres partes y se representan gráficamente por los números 6, 9 y 12 como numeradores (en la parte superior).

En los compases compuestos, cada unidad de tiempo está representado por un tipo de figura que tiene puntillo.

Cuando tenemos un compás compuesto, podemos identificar a cuál compás simple corresponde dividiendo el numerador por 3 y el denominador por 2.

Igualmente podemos identificar a cuáles compás compuesto corresponde un compás simple haciendo la operación inversa.

Compases binarios, ternarios y cuaternarios

Los compases binarios se dividen en dos tiempos. A su vez, cada uno de estos pulsos se puede subdividir en dos o en tres corcheas.

Los compases ternarios son los que se dividen en tres tiempos. A su vez, cada uno de estos pulsos se puede subdividir en dos o en tres corcheas.

Los compases cuaternarios se dividen en cuatro tiempos. A su vez, cada uno de estos pulsos se puede subdividir en dos o en tres corcheas. 

Compases de subdivisión binaria o ternaria.

Los compases se clasifican también en subdivisión binaria, ternaria y cuaternaria dependiendo en cuantas partes se puede dividir cada unidad de tiempo que los conforman.

Todos los compases simples son de subdivisión binaria, porque cada unidad de tiempo que los conforman puede dividirse en dos partes iguales y se representan por figuras simples que no tienen puntillo.

En cambio, todos los compases compuestos se denominan de subdivisión ternaria porque cada unidad de tiempo que los conforman se puede dividir en tres partes iguales y se representan por figuras compuestas, es decir que tienen un puntillo y puede dividirse en tres partes iguales.

¿Cómo averiguamos la figura que vale una unidad de tiempo?

En los compases simples es fácil saber a cuál figura musical corresponde una unidad de tiempo porque está indicado por el denominador, por ejemplo, en el compás 4/4, el denominador “4” representa la “negra”.

En cambio, con los compases compuestos el numerador no indica la cantidad de tiempos del compás, ni el denominador la figura de la unidad de tiempo.

Para poder identificar cuántas unidades de tiempo conforma el compás debemos dividir el numerador por 3.

Para identificar la figura que equivale a una unidad de tiempo hay que multiplicar la figura que representa el denominador por tres.

Por ejemplo, en un tiempo de 12/8, si dividimos el numerador por tres podemos ver que tiene cuatros tiempo, el denominador 8 representa la corchea, si multiplicamos el denominador por 3 podemos saber que la unidad de tiempo vale 3 corcheas, por lo tanto, la figura que la representa es una negra con punto.

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Métrica y compás musical

Además de la altura y la duración de los sonidos, incluso se puede representar gráficamente el ritmo y el tiempo de una pieza musical, lo cual se hace a través del compás musical y de la métrica.

El compás musical es la representación gráfica de un segmento de una partitura que se repite; se representa gráficamente a través de líneas divisorias verticales dibujadas en el pentagrama desde la primera línea hasta la quinta, llamadas líneas divisorias o barras de compás. El espacio que hay entre las diferentes líneas divisorias es a lo que se denomina compás musical.

El compás musical permite dividir el tiempo de una canción o pieza musical en partes iguales, indica el tipo de ritmo que tiene la pieza musical y permite al mismo tiempo dividir el ritmo en tiempos fuertes y débiles.

El compás puede contener cualquier tipo de figuras musicales independientemente de su duración, pero la suma de estas figuras dará siempre el mismo valor, independientemente de la cantidad de partes que contenga.

Cuando nos referimos a la métrica, es importante tener muy claro el significado de los términos: tempo, pulso y beat. Cuando hablamos de pulso o beat, nos referimos a la sensación que tenemos de llevar el tiempo con el “pie” cuando escuchamos una canción.

Cada golpe que damos con el pie equivale a un pulso en la música. Dependiendo del género de música que escuchamos, estos golpes pueden ser más rápidos o más lentos; el tempo se refiere a la velocidad con que se ejecutan estos golpes (pulsos). Si el tempo es igual a 60, quiere decir que se ejecutan 60 pulsos cada minuto, si el tempo es iguala 120, significa que se ejecutan 120 pulsos por minuto.

Por lo tanto, la métrica se refiere a la forma de organizar los pulsos y el tempo en una obra musical, dividiendo los pulsos en pequeños grupos (los compases) y definiendo en cada compás cuales pulsos deben sonar más fuertes y cuales más débiles (acentos fuertes y débiles) para dar un sentido rítmico a la música.

La representación gráfica de la métrica, se hace a través de una fracción que se escribe al comienzo del pentagrama después de la clave. El numerador de esta fracción, o el número ubicado en la parte superior, indica cuantos tiempos o beats contiene cada compás. El denominador, en cambio, indica cuánto dura cada tiempo y cual la figura que se usará como referencia.

Existen diferentes tipos de compases musicales y se clasifican de acuerdo al tipo de fracción que los identifica. La diferencia entre un tipo u otro, depende de cuales son los acentos fuertes y los acentos débiles que conforman el compás. 

Para entender mejor todo esto, debemos recordar cuales son los números que representan las figuras musicales:

Redonda = 1  (porque se usa como referencia para las demás notas)

Blanca = 2 (porque se necesitan dos blancas para hacer una redonda)

Negra = 4  (porque se necesitan cuatro negras para hacer una redonda)

Corchea = 8 (porque se necesitan dos ocho corcheas para hacer una redonda)

Semicorchea = 16 (porque se necesitan dieciséis semicorcheas para hacer una redonda)

Fusa  = 32  (porque se necesitan treinta dos fusa para hacer una redonda)

Por esta razón, si se observa en un compás que el denominador, o número de abajo, es un 2, quiere decir que la figura de referencia de cada pulso es la blanca. Si se observa que el número es un 4 significa que la figura de referencia de cada pulso es la negra, es decir, que cada negra dura un tiempo. Si se observa un 8, la figura de referencia es la corchea, por lo que cada corchea representa un tiempo en ese tipo de compás.

Por lo tanto, si tenemos una fracción de 4/4, eso nos indica que cada compás puede contener cualquier tipo de figura musical, pero la suma de estas será siempre equivalente a 4 negras.

 Se puede facilitar la labor de un músico usando un tipo de compás denominado compás simplificado. El compás simplificado se refiere al uso de un símbolo parecido a una C mayúscula en lugar de escribir el cuatro por cuatro, donde cada compás debe tener cuatros tiempos.

De igual forma, se puede escribir el símbolo de una C mayúscula atravesada por una línea vertical en lugar del dos por dos, por lo tanto, cada compás debe tener dos tiempos.

e igual forma, se usa el símbolo de una C mayúscula atravesada por una línea vertical para representar un dos por dos, es decir, un compás en el que la figura de la blanca representa el tiempo.

Cuando una pieza musical comienza con un cuatro por cuatro y pasa a un dos por dos, las mismas figuras musicales durarán la mitad, dando la impresión que duplicaron su velocidad.

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